Thập niên 2010 đánh dấu một kỷ nguyên vàng son cho anime, mang đến những series đột phá vượt qua các giới hạn sáng tạo và định nghĩa lại khả năng của loại hình nghệ thuật này. Từ những bộ thriller tâm lý khiến người xem nghẹt thở đến những drama bi thương làm rơi lệ, thập kỷ này đã sản sinh ra những tác phẩm không chỉ đơn thuần là giải trí mà còn là những tuyên bố nghệ thuật sâu sắc.
Trong tuyển tập này, chúng ta cùng tôn vinh mười bộ anime từ thập niên 2010 đã khẳng định vị thế của mình trong đền thờ các kiệt tác.
10. Guilty Crown
Sức Mạnh Đáng Lẽ Không Nên Có
Shu Ouma sử dụng sức mạnh Void Genome trong Guilty Crown với cảnh nền bị tàn phá
Khi ra mắt vào năm 2011, Guilty Crown ngay lập tức gây chú ý nhờ đồ họa và âm nhạc tuyệt đẹp, là sự kết hợp giữa Production I.G. và nhà soạn nhạc ryo của supercell. Lấy bối cảnh Nhật Bản tương lai đang quay cuồng vì một loại virus chết người và nằm dưới sự kiểm soát của lực lượng quân đội GHQ áp bức, câu chuyện theo chân Shu Ouma, một học sinh trung học bỗng nhiên có được sức mạnh bí ẩn gọi là “Void Genome”, cho phép anh ta rút vũ khí từ trái tim người khác.
Bộ anime mở đầu đầy hứa hẹn: những cuộc nổi dậy bí mật, sự phản bội bi thảm và một nhân vật chính đột ngột nắm giữ vận mệnh thế giới. Nhưng điều khiến Guilty Crown thực sự tạo ấn tượng là cách nó đi sâu vào tâm lý. Shu không phải một người hùng điển hình, những đấu tranh về đạo đức, những lần suy sụp và thậm chí cả con đường lên nắm quyền của anh ta đều mang cảm giác chân thực đến khó chịu. Bộ phim đặt ra một câu hỏi khó: điều gì sẽ thực sự xảy ra nếu một người được trao sức mạnh thần thánh nhưng lại thiếu đi sức mạnh nội tại để sử dụng nó?
Mặc dù nhận được nhiều ý kiến trái chiều trong thời gian phát sóng gốc, nhưng hình ảnh, ý tưởng và các phân cảnh nặng về cảm xúc đã giúp bộ phim xây dựng được một lượng fan trung thành. Đặc biệt, anime này có một trong những bài opening ám ảnh và đẹp nhất thập kỷ, “My Dearest” do EGOIST thể hiện, đã trở thành biểu tượng trong cộng đồng anime.
9. Mob Psycho 100
Cậu Bé Không Muốn Trở Nên Đặc Biệt
Mob, nhân vật chính từ Mob Psycho 100, với biểu cảm nghiêm túc
Ban đầu, Mob Psycho 100 có thể đánh lừa bạn bằng thiết kế nhân vật ngớ ngẩn và sự hài hước hỗn loạn, nhưng ẩn sau vẻ ngoài phóng đại đó là một trong những câu chuyện nội tâm sâu sắc nhất thập kỷ. Được tạo ra bởi ONE, tác giả của One Punch Man, bộ anime năm 2016 này tập trung vào Shigeo Kageyama, hay còn gọi là “Mob”, một cậu bé khiêm nhường với sức mạnh tâm linh hủy diệt đến mức cậu luôn sợ mất kiểm soát.
Nhưng Mob không muốn trở thành anh hùng. Cậu không muốn chiến đấu. Cậu chỉ muốn bình thường, muốn chạy bộ giỏi hơn, muốn gây ấn tượng với người bạn thưở nhỏ, muốn kết bạn mà không dựa vào sức mạnh của mình.
Mỗi vụ nổ siêu nhiên trong series này đều bắt nguồn từ cảm xúc. Mob không san bằng thành phố vì cảnh tượng hoành tráng; cậu làm điều đó vì cậu đã bị dồn đến đường cùng. Và khi cậu không phản kháng, sự im lặng ấy còn lớn hơn cả tiếng ồn.
Studio Bones đã không tiếc công sức để dựng nên bộ anime với những phân cảnh vẽ tay trông giống nghệ thuật avant-garde hơn là anime truyền thống. Đặc biệt, mùa 2 được khen ngợi vì đã phá vỡ các mô típ shonen thông thường và biến sự phát triển cảm xúc, chứ không phải tăng sức mạnh, thành thước đo thực sự cho sức mạnh nhân vật.
8. Violet Evergarden
Học Cách Cảm Nhận Lại
Violet Evergarden trong trang phục người viết thuê, nhìn xa xăm với vẻ đượm buồn
Violet Evergarden không chỉ đẹp đẽ mà còn khiến người xem xúc động sâu sắc. Ra mắt vào năm 2018 bởi Kyoto Animation, đây là một trong những tác phẩm đầy tham vọng nhất của studio này, cả về hình ảnh lẫn chủ đề. Series kể về Violet, một cựu binh nhí trở thành “Auto Memory Doll” (người viết thuê), một nghề yêu cầu cô dịch cảm xúc của người khác thành những lá thư chân thành. Trớ trêu thay, bản thân cô hầu như không hiểu cảm xúc.
Mỗi tập phim là một câu chuyện độc lập về sự mất mát, hối tiếc, tình yêu hay đoàn tụ của con người, với Violet đóng vai trò người quan sát, và dần dần, người tham gia vào những cung bậc cảm xúc này. Cuối mỗi lá thư cô viết, bản thân cô lại trưởng thành thêm một chút. Đây là nghệ thuật kể chuyện tĩnh lặng ở mức tuyệt đỉnh.
Bộ anime mang một ý nghĩa sâu sắc hơn trong những năm sau vụ tấn công đốt phá bi thảm tại Kyoto Animation vào năm 2019. Violet Evergarden trở thành biểu tượng cho những gì studio này đại diện: kể chuyện cảm xúc, nghệ thuật ngoạn mục và cam kết kết nối con người.
7. Noragami
Vị Thần Bạn Đã Lãng Quên Thờ Phụng
Nhân vật Yato, Hiyori và Yukine từ Noragami đứng cạnh nhau
Ra mắt vào năm 2014, Noragami giống như một luồng gió mới trong thể loại urban fantasy. Yato, một vị thần nhỏ không có đền thờ, mơ ước được thờ phụng và tôn kính, nhưng cho đến lúc đó, anh ta chỉ làm những công việc lặt vặt với giá 5 yên và ngủ trong các con hẻm. Hành trình của anh trở nên phức tạp khi gặp Hiyori Iki, một cô gái loài người có linh hồn liên tục thoát ra khỏi cơ thể, và Yukine, một linh hồn gặp rắc rối trở thành vũ khí của anh ta.
Điều bắt đầu với sự kỳ quặc và hài hước nhanh chóng chuyển thành một thứ gì đó nặng nề hơn. Thế giới của Noragami được xây dựng trên ranh giới mong manh giữa sự sống và cái chết, cùng những linh hồn tồn tại quá lâu. Các cảnh chiến đấu của nó mượt mà và đầy phong cách, được Studio Bones vẽ nên với sự chú ý đến tốc độ và nhịp điệu, khiến mỗi trận chiến đều sống động. Nhưng những cú đấm mạnh nhất của nó lại là những cú đấm cảm xúc.
Mùa 2, Noragami Aragoto, đi sâu vào quá khứ đen tối của Yato, tiết lộ một vị thần bị định hình bởi sự hối tiếc hơn là tham vọng. Mối quan hệ của anh với Yukine, một linh hồn gánh nặng bởi tổn thương, là một trong những mối quan hệ thầy-trò nhiều lớp nhất trong anime.
6. Your Lie in April
Âm Thanh Của Hoa Anh Đào Rơi
Ba nhân vật chính từ Your Lie in April: Kaori Miyazono chơi violin, Kousei Arima chơi piano và Tsubaki Sawabe
Ít bộ anime nào có thể biến âm nhạc thành cảm xúc thô ráp như Your Lie in April. Ra mắt vào năm 2014, câu chuyện xoay quanh Kousei Arima, một thần đồng piano đã ngừng chơi sau cái chết của người mẹ bạo hành. Cậu bị tê liệt cảm xúc, cho đến khi một nữ nghệ sĩ violin tên là Kaori Miyazono bước vào cuộc đời cậu với những màn biểu diễn hoang dã, phóng khoáng và cách nhìn cuộc sống đầy táo bạo.
Mỗi màn trình diễn trong bộ anime này đều mang cảm giác như một lời thú nhận, không chỉ về kỹ năng âm nhạc, mà còn về sự thật cảm xúc. Khi Kaori chơi, cô phá vỡ mọi quy tắc kỹ thuật nhưng lấp đầy mỗi nốt nhạc bằng ý nghĩa. Khi Kousei chơi, bạn nghe thấy nỗi đau, nỗi sợ hãi, sự khao khát của cậu. Hoạt hình trong những cảnh này – ánh sáng thay đổi, cận cảnh mãnh liệt, phép ẩn dụ hình ảnh – phù hợp với âm nhạc đến từng nhịp.
Bất chấp tông màu lãng mạn, đây không phải một câu chuyện tình yêu thông thường. Đó là câu chuyện về sự truyền cảm hứng. Một lời nhắc nhở rằng đúng người vào đúng thời điểm có thể đưa bạn trở lại cuộc sống, dù chỉ trong chốc lát.
5. Made in Abyss
Tiếng Còi Vọng Xuống Hố Sâu Với Hy Vọng Trở Lại
Nhân vật Riko và Reg từ Made in Abyss đang nhìn xuống vực sâu Abyss
Made in Abyss tự giới thiệu với phong cách nghệ thuật trẻ thơ lừa gạt, nhưng không có gì trong bộ anime này dành cho trẻ em. Ra mắt vào năm 2017 và được Kinema Citrus sản xuất, bản chuyển thể từ manga của Akihito Tsukushi là một câu chuyện nghiệt ngã được bọc trong sự kỳ diệu và kinh hoàng, lặn sâu, theo nghĩa đen, vào một trong những bối cảnh độc đáo nhất xuất hiện trong anime thập kỷ này.
Abyss là một hố khổng lồ dưới lòng đất thách thức khoa học, logic và giới hạn con người. Các tầng của nó chứa đựng những hiện vật quý hiếm, các nền văn minh cổ xưa và những sinh vật vừa huyền bí vừa quái dị. Nhưng càng xuống sâu, nó càng lấy đi của bạn nhiều hơn. Những nhà thám hiểm được gọi là Cave Raiders xuống vực sâu, biết rằng hành trình trở lên gây ra những hiệu ứng thể chất và tinh thần kinh hoàng, được gọi là Lời Nguyền của Abyss.
Trung tâm câu chuyện là Riko, một cô bé mồ côi mắt sáng mơ ước trở thành như mẹ mình, một White Whistle huyền thoại đã biến mất trong Abyss. Cô cùng với Reg, một cậu bé robot bí ẩn với trái tim con người (hoặc ít nhất là gần như vậy). Cùng nhau, họ xuống từng tầng, nơi rủi ro tăng lên theo mỗi mét rơi xuống.
Mùa đầu tiên gồm 13 tập kết thúc với một nốt nhạc ám ảnh làm rung động khán giả, đặc biệt là tập 10, vẫn thường được coi là một trong những tập phim đau lòng và ám ảnh nhất trong lịch sử anime. Nhạc nền của Kevin Penkin là một điểm nhấn, những giai điệu ám ảnh của nó vang vọng bí ẩn của chính Abyss.
4. Re:Zero − Starting Life in Another World
Chết Thật Dễ Dàng. Sống Sót Qua Nó Mới Là Lời Nguyền Thực Sự.
Subaru Natsuki từ Re:Zero với vẻ mặt đau khổ, ngồi giữa cảnh tượng tàn khốc
Sự bùng nổ của thể loại isekai trong thập niên 2010 đã mang đến vô số câu chuyện về những nhân vật bình thường được đưa đến thế giới giả tưởng. Nhưng ít bộ nào gây ấn tượng mạnh và bất ngờ như Re:Zero, ra mắt vào năm 2016 và lật ngược mô típ power-fantasy của thể loại bằng cách biến “sức mạnh” của nhân vật chính thành một cơn ác mộng sống.
Subaru Natsuki chỉ là một chàng trai bình thường đi bộ về nhà từ cửa hàng tiện lợi, cho đến khi anh ta thấy mình ở một thế giới giả tưởng thời trung cổ. Nhưng ở đây không có phép thuật siêu năng. Không có mã gian lận. Thay vào đó, khả năng duy nhất của anh là “Return by Death”: mỗi lần chết, anh ta lại hồi sinh ở một thời điểm trước đó, giữ lại tất cả ký ức của mình. Điểm mấu chốt? Không ai khác nhớ những gì đã xảy ra. Và nỗi đau, cả về tinh thần lẫn thể xác, đều là thật mỗi lần.
Câu chuyện nhanh chóng phát triển từ thiết lập isekai tiêu chuẩn thành một sự suy sụp tâm lý. Các tập đầu đưa người xem vào suy nghĩ rằng nó sẽ theo các mô típ quen thuộc, chỉ để ném Subaru, và khán giả, vào vòng lặp của tuyệt vọng, tội lỗi và tổn thương. Sức khỏe tinh thần của anh ta suy giảm sau mỗi lần chết. Mỗi lần cố gắng sửa chữa một bi kịch, anh ta lại phát hiện ra điều gì đó tồi tệ hơn ẩn dưới đó.
3. Tomodachi Game
Đừng Tin Ai Cả
Nhân vật chính Yuuichi Katagiri từ Tomodachi Game với biểu cảm lạnh lùng và bí ẩn
Tomodachi Game có phần ít được chú ý khi ra mắt vào tháng 4 năm 2022, nhưng bộ thriller tâm lý này nhanh chóng phát triển một lượng người theo dõi riêng biệt bị cuốn hút bởi các trò chơi trí tuệ và sự phản bội của nó. Dựa trên manga bắt đầu từ năm 2013, anime chuyển thể câu chuyện về Yuuichi Katagiri và những người bạn của anh bị buộc phải tham gia vào “trò chơi tình bạn” tàn bạo để trả một khoản nợ bí ẩn.
Series khám phá một cách xuất sắc sự mong manh của lòng tin giữa những người tự coi là bạn thân. Khi các trò chơi diễn ra, bản chất thật của mỗi nhân vật được bộc lộ dưới áp lực, dẫn đến những tiết lộ gây sốc thách thức ấn tượng ban đầu của khán giả về dàn diễn viên.
Điều khiến Tomodachi Game nổi bật là sự sẵn sàng để nhân vật chính của mình “nhúng chàm”. Không giống như nhiều bộ phim tương tự nơi nhân vật chính giữ vững sự trong sáng đạo đức, Yuuichi chứng tỏ bản thân có khả năng thao túng và lừa dối ngang ngửa với những người quản lý trò chơi, khiến người xem đặt câu hỏi nên ủng hộ ai.
Hoạt hình của Okuruto Noboru không hào nhoáng, nhưng xuất sắc trong việc thể hiện nét mặt, nắm bắt những thay đổi tinh tế giữa sự chân thành và sự lừa dối làm động lực cho câu chuyện. Series sử dụng tâm lý màu sắc hiệu quả, với những thay đổi ánh sáng tinh tế báo hiệu động cơ của nhân vật.
Mặc dù hiện mới chỉ có một mùa duy nhất, bản chuyển thể anime chỉ bao gồm phần đầu của một series manga dài hơn nhiều. Lối viết thông minh, những khúc quanh khó đoán và sự khám phá tâm lý con người dưới hoàn cảnh khắc nghiệt đã biến nó thành một trong những viên ngọc ẩn bị đánh giá thấp nhất trong thể loại thriller tâm lý của thập kỷ.
2. Attack on Titan
Ngoài Những Bức Tường Là Tự Do
Eren Yeager cười và khóc trong một khoảnh khắc đầy cảm xúc từ Attack on Titan
Khi ra mắt vào năm 2013, Attack on Titan giống như một tia sét đánh trúng chai. Buổi công chiếu của nó đã phá vỡ mọi kỳ vọng với sự bạo lực tàn bạo, bí ẩn kỳ lạ và một thế giới nơi loài người sống trong nỗi sợ hãi không ngừng trước những người khổng lồ ăn thịt người. Điều bắt đầu như một câu chuyện sinh tồn kinh dị nhanh chóng phát triển thành một trong những bộ anime mang nặng tính chính trị và phức tạp về đạo đức nhất thập kỷ.
Eren Yeager bất lực nhìn mẹ mình bị một Titan nuốt chửng, đặt cậu vào con đường trả thù dần biến dạng thành một thứ gì đó bi thảm hơn nhiều. Cùng với Mikasa và Armin, cậu gia nhập Trinh Sát Đoàn để chiến đấu chống lại Titans, những gã khổng lồ đã đẩy những gì còn lại của loài người ẩn sau những bức tường cao chót vót.
Nhưng qua từng mùa, Attack on Titan đã tự tái tạo lại mình. Titans không như những gì họ tưởng. Những bức tường cũng không, kẻ thù cũng không, và thậm chí cả những người hùng cũng vậy. Tác phẩm của WIT Studio trong ba mùa đầu mang đến một số hoạt hình ngoạn mục nhất trong giới, trong khi MAPPA tiếp quản các mùa cuối cùng, mang đến một tông màu u ám và điện ảnh hơn.
Thế giới trong phim được xây dựng tỉ mỉ, và các chủ đề của nó – tự do, chiến tranh, tổn thương, chủ nghĩa dân tộc – chỉ càng trở nên liên quan hơn khi bạn đi sâu vào. Sự thay đổi từ con người đấu với quái vật sang con người đấu với ý thức hệ không chỉ là một cú twist, đó là sự tái định nghĩa hoàn toàn nền tảng câu chuyện.
Bộ anime kết thúc vào năm 2023 với Attack on Titan: The Final Chapters. Các ý kiến về cái kết vẫn còn trái chiều, nhưng ít ai phủ nhận sức nặng văn hóa mà series này mang lại. Nó đã khơi dậy các cuộc thảo luận về đạo đức và góc nhìn trong các cộng đồng fan anime hơn bao giờ hết.
1. Steins;Gate
Hiệu Ứng Cánh Bướm, Nhưng Hãy Biến Nó Thành Bi Thương
Rintarou Okabe, nhân vật chính của Steins;Gate, với vẻ mặt nghiêm túc và biểu cảm đặc trưng
Ra mắt vào năm 2011 và dựa trên visual novel cùng tên, Steins;Gate vẫn là một trong những tác phẩm khoa học viễn tưởng xuất sắc nhất mà anime từng sản xuất. Nó không thu hút sự chú ý bằng những cảnh hành động ồn ào hay quái vật to lớn, nó làm điều đó bằng du hành thời gian, cách kể chuyện giàu cảm xúc và sự hồi hộp chậm rãi bùng nổ khi bạn ít ngờ tới nhất.
Lấy bối cảnh Akihabara, câu chuyện theo chân Rintarou Okabe, một nhà khoa học điên tự xưng, cùng với những người bạn kỳ quặc của mình, vô tình khám phá ra cách gửi tin nhắn về quá khứ bằng cách sử dụng một lò vi sóng bị hack và một chiếc điện thoại di động. Điều bắt đầu như một thí nghiệm vui vẻ trở thành một vòng xoáy tàn khốc của những hậu quả không lường trước và thảm họa thế giới song song.
Nửa đầu phim thiên về hài hước slice-of-life và khoa học viễn tưởng nhẹ nhàng, giới thiệu các nhân vật như Mayuri đáng yêu, Kurisu thông minh và Daru lập dị. Nhưng một khi dòng thời gian bắt đầu bị phá vỡ, tông màu thay đổi đáng kể. Mọi quyết định, mọi “D-mail”, đều thay đổi thế giới, và Okabe thấy mình gánh nặng cố gắng xóa bỏ một tương lai đáng lẽ không nên tồn tại.
Bộ anime không xúc phạm người xem bằng khoa học giả tạo. Thay vào đó, nó cân bằng các khái niệm vật lý thực tế với cách kể chuyện giàu cảm xúc. Nó không quá chú trọng vào “cách” du hành thời gian hoạt động, mà là chi phí mà nó đòi hỏi từ những người sử dụng nó.
Steins;Gate 0, ra mắt vào năm 2018, khám phá một dòng thời gian khác nơi Okabe từ bỏ. Nó đen tối và bi thảm hơn, nhưng bổ sung chiều sâu cho câu chuyện gốc.
Kết luận
Thập niên 2010 thực sự là một giai đoạn rực rỡ, nơi anime không ngừng thử nghiệm và chạm đến những đỉnh cao mới cả về mặt hình ảnh, âm nhạc lẫn chiều sâu cốt truyện và tâm lý nhân vật. Mười cái tên được liệt kê trên đây chỉ là một phần nhỏ trong số những tác phẩm đáng chú ý của thập kỷ này, nhưng chúng đại diện cho sự đa dạng và sức ảnh hưởng mạnh mẽ của anime 2010s.
Từ những cuộc phiêu lưu sinh tồn khắc nghiệt, những bi kịch cảm động đến những khám phá khoa học viễn tưởng gây chấn động tâm trí, mỗi bộ anime đều để lại dấu ấn khó phai trong lòng người hâm mộ. Nếu bạn là một fan anime hoặc đang tìm kiếm những tác phẩm kinh điển hiện đại, danh sách này chắc chắn là điểm khởi đầu tuyệt vời để khám phá lại “thập niên vàng” của anime.
Bạn đã xem hết những bộ này chưa? Bộ nào là yêu thích nhất của bạn từ thập niên 2010? Hãy cùng thảo luận nhé!
